Nora Chipaumire, #PUNK, 100%POP & *N!GGA

Nora Chipaumire n’est pas une artistes qui emprunte des détours. Se faire comprendre en évitant tout malentendu semble être une priorité pour cette chorégraphe originaire du Zimbabwe installée à New York. Sa trilogie #PUNK, 100%POP, *N!GGA présentée au festival international Tanz im August à Berlin en témoigne. Trois figures féminines issues de la scène musicale – Patti Smith, Grace Jones et Rit Nzele – inspirent la chorégraphe et lui offrent des appuis différents pour chacun des trois volets dont l’énergie ne faiblit pas pendant les trois heures de spectacle.

Une introduction à l’Afrique

Ces trois femmes représentent des passerelles qui permettent à la chorégraphe de créer des ambiances et inviter son public dans son espace de jeu. Promesse tenue, les spectateurs sont conviés à partager la scène avec la chorégraphe et son équipe, sans trop savoir à quoi s’attendre ni où se diriger. Micro à la main Nora Chipaumire et son complice Shamar Watt occupent rapidement le centre et le public s’organise autour d’eux. Une sorte de rituel, aux accents qui traduisent une certaine urgence, prend place ; les spectateurs sont invités à participer régulièrement en suivant un rythme avec des battement de mains et de pieds, ou en secouant la tête, ou plutôt en la « fracassant » (smash your head). Les deux performeurs ne quittent que rarement la parole et s’expriment par des slogans : « Ceci est une introduction à l’Afrique. Pour la première fois à Berlin. Êtes-vous prêt.e.s ? … ». Leur ton évoque une attitude de revendication, voire de confrontation. Avec Nora Chipaumire on comprend rapidement qu’il faut l’être, et le temps qu’elle accorde pour y arriver n’offre pas d’hésitation.

L’énergie des deux performeurs est entrainante, d’emblée débordante et provocatrice. Les regards sont directs et pas forcément tendres, leur façon de bouger laisse pressentir un terreau explosif, plus que se déplacer parmi le public les deux se fraient un passage sans aucune incertitude, on leur cède chemin au risque de se faire heurter. Cette posture clairement frontale est en accord avec les propos avancés ; pas tout ce qui est dit est audible à cause de l’omniprésence de la musique, néanmoins des bribes d’un récit parviennent à être déchiffrées : « Paris Champs Élysées, London, New York, j’ai [Nora Chipaumire] entendu nègre rentre en Afrique. J’ai dit va te faire foutre. Regarde-moi rentrer en Afrique… Il n’y a pas de future pour moi …».

Les corps sont tout aussi explicites : une démarche qui reprend celle d’un gorille, des joues qui se gonflent, les yeux écarquillés. Au delà de ces expressions dont la présence engendre des réels questionnements, le mouvement alterne avec la parole sans transition, le langage corporel devient une extension des mots, une résolution possible et le public reçoit la portée et la force de cette cohabitation. Malgré une certaine rudesse des propos et des attitudes qui frôlent l’affrontement, et qui risquent tout de même de provoquer une réaction de prise de distance, il n’est pas difficile de s’associer aux deux performeurs et de se laisser absorber par leur jeu, leur énergie et la qualité de leur présence arrivent à être suffisamment convaincantes. La chorégraphe compare d’ailleurs les spectacteurs à une audience d’électeurs dont il faut gagner la confiance ; mettant ouvertement en jeu le déroulement de la pièce, elle les intègre à son travail les sollicitant et en en stimulant des réponses en temps réel.

Un air de révolution

#PUNK et 100%POP, séparés d’une pause, ont la même configuration avec quelques modifications des éléments scéniques. Dans la deuxième partie 100%POP, le public occupe la scène comme auparavant mais l’atmosphère qu’il est invité à partager avec les interprètes est cette fois clairement plus festive, plus légère. Nora Chipaumire en parle comme d’« un espace démocratique (…) dans lequel c’est l’art qui se déplace vers le gens, au lieu d’être exposé sous verre dans des musées (et où il faut payer pour le voir) ». Le pop représente donc l’art le plus accessible, même pour « les masses de travailleurs qui ne fréquentent pas forcément les musées et les galléries … » toujours selon ses termes. C’est peut-être pour cette raison que la chorégraphe le considère comme « le seul espace dans lequel une vrai révolution est encore possible ». La révolution transite ici par la fête qui est certainement une forme contemporaine de rassemblement. Le centre de la scène est ainsi encadré par deux postes de DJ. La musique prévaut sur la voix, celle de la chorégraphe parvient d’un coin de la pièce et en effet elle parle de révolution : « … la révolution n’est pas ton premier jour d’école. La révolution n’est pas ton premier baisé … ». La révolte nécessite de l’expérience donc, une préparation collective. Ainsi la place est faite pour un véritable partage d’espace et d’action, progressivement le public est invité à danser, à être ensemble par le mouvement dans une réelle ambiance de fête.

Renversement

Dernier volet du triptyque, *N!GGA s’appréhende comme un véritable manifesto, une possible synthèse de la pensée de l’artiste, une posture et une vision élargie. La chorégraphe en hauteur, assise sur une construction de blocs de bois, couronne sur la tête et micro à la main qu’elle n’aura jamais quitté. À côté de ce trône gigantesque se trouve la batterie qui avait fait vibrer l’espace lors de la première partie, #PUNK. Shamar Watt sera, quand à lui, le roi de ce dernier chapitre. Dans une énergie frénétique, entre la transe et une forme de rituel de dépassement, il arpente une même diagonale d’où arrive une source de lumière. Ses allers/retours le long de ce trajet sont claires dans les gestes et chaotiques dans l’ensemble, la batterie vient s’ajouter et secoue davantage l’ambiance déjà bien agitée. Nora Chipaumire déverse ses déclarations sans qu’elles puissent parvenir à l’oreille de façon distincte ; mi-allongée, son confort n’apaise que partiellement l’urgence de sa parole. La trilogie termine de façon collective, le public est convié à se ressembler une fois de plus pour danser, mais cette fois devant et aux pieds de la structure-trône sur laquelle Shamar Watt a rejoint la chorégraphe.

Moins horizontal que les volets précédents, ce final semble mettre en exergue les termes des rapports de domination, l’un des enjeux du travail de Nora Chipaumire qui s’attache à examiner la représentation des statuts ainsi qu’à éprouver, et à faire éprouver, l’expérience du pouvoir. L’artiste rabat et redistribue les cartes poussant son public au retranchement. Sans compromis la chorégraphe joue avec un certain nombre de tensions sociales et historiques les amenant à l’endroit de l’embarras, proche du choc, à une forme de prise de conscience des dégâts d’une culture sur une autre. L’artiste n’emploie pas de demie mesures pour atteindre ce lieu d’inconfort et de déséquilibre. La stratégie de la performance, proche d’un concert live, s’appuie sur le temps pour laisser se déployer les différentes étapes allant de la dénonciation à une forme de réparation par l’union.

Art et politique

La figure d’une artiste militante telle que la propose Nora Chipaumire devient rare. L’image qui se dégage d’elle est celle d’une femme que rien ne pourrait arrêter. Loin de se soucier des codes du « politiquement correct » et encore moins de ceux du « plaire », la chorégraphe prêche une parole libérée dans l’intention de secouer les fondements faussées sur lesquels un certain crédo occidentale s’est édifié. Explicitement politique et adressé, le discours critique de l’artiste est chargé de messages non équivoques ; son geste performatif puise sa vigueur et sa source dans la nécessité de le faire entendre. La démarche artistique de Nora Chipaumire propose, si non un renversement, une esthétique complexe qui trouble les mœurs du spectacle vivant ; offrant de l’espace à son public tout en désarçonnant sa posture, le rendant autant complice d’un changement possible que témoin d’inégalités en place.